要是你觉得敦煌仿佛仅仅只有壁画，那你可就错失了另外一座宝藏，四千多身彩塑，才是莫高窟实实在在的主角。它们静静伫立千年，从“秀骨清像”转变到“丰腴端庄”，每一刀泥塑当中，都隐匿着东西方文明交锋以及融合的秘密。

从异域风骨到盛世风华

敦煌彩塑不是始终如一保持不变的，它风格的演变是一部活生生的佛教艺术史。早期北魏的塑像，像第259窟的禅定佛，其脸庞清瘦，身着有密集衣纹的袈陀罗式袈裟，脸上挂着神秘的微笑，比达·芬奇的《蒙娜丽莎》还要早一千多年。这种“秀骨清像”带有明显的西域风格。

往隋唐时期迈进，审美领域出现了巨大转变，此转变十分显著。隋代立佛受到印度笈多王朝“湿衣佛像”的作用，体态开始趋向丰满，衣纹不再是那种密密麻麻的线条样式，而像是厚重的毛织物呈现出的模样。步入盛唐阶段，所有外来影响都被充分消化吸收，塑像变得圆润饱满，菩萨像类似贵族仕女那么具有特点，天王像如同威猛的武将那般富有姿态，充满了现实生活所具有的气息。

千年彩塑的幸存密码

莫高窟现存四百八十多个洞窟，原本起码有五千身彩塑，然而经千余年自然损毁与人造破坏，现今保存相对完好的还有二千四百一十五身。这些塑像得以穿越千年而不倒，特别是那些十几米高的大像，这全都得益于古代工匠别具一格的营造智慧。

为了对敦煌脆弱的砂砾岩地质予以应对，匠师们创造出了一种石胎泥塑的工艺，他们先是于岩石之上凿出佛像的大致轮廓用作内胎，接着在表面一层一层地包上细腻的澄板泥，最后再去进行精雕细刻，这种把山体与泥土相结合的方法，较单纯用木架扎泥要坚固许多，这是敦煌彩塑保存至今的独门绝技。

壁上行僧与凌空飞仙

敦煌彩塑所处的摆放位置，同样历经了从附属朝着主角的一番演变，早期魏代的那些塑像常常紧紧挨着墙壁，所采用的是高塑或者影塑这样的手法，当时的佛像就好像是从壁画之中浮现出来似的，其背后通常还绘制有光焰，塑绘两者难以进行区分，那个时候的佛龛相对较浅，信众仅仅能够从正面去瞻仰。

唐代开创出了全新的格局，工匠们把佛龛加深，使其变为一个小型舞台，开始运用完全立体的圆塑。造像处于完全凌空状态，你能够围着它从各个方向观看。据说唐代雕塑名家杨惠之能在塑像背后刻出人物的神情，这种技术突破使彩塑真正独立出来，成为洞窟中无可争议是的视觉中心。

菩萨身上的时装秀

假如你靠近来瞧敦煌彩塑，就会觉察它们不只是雕塑，更是色彩绚丽的绘画之作。彩塑进行上色依照随类赋彩的写实准则，菩萨的天衣，弟子的袈裟之上，描绘着源自各国的精美花纹，从联珠纹至卷草纹，简直犹如一场古代服饰展销会。

自隋代起始，匠师尤为热衷于在塑像平整的大块面积之上，绘制繁杂的花纹。脸庞丰满圆润，衣着绚丽多彩，二者构成强烈的一种精和简、粗与细的节奏对比。这些色彩，不只是为了美观，更是用以展现不同人物的身份以及民族特征，使得泥土塑造的佛像具备了真实的生命之感。

寻找失传的夹纻技法

除了平常常见的泥塑之外，敦煌在历史上还曾经出现过一种更为高级的工艺，那就是夹纻像。这种工艺是源自东晋时期著名的雕塑家戴逵，他采用粗布夹杂了层层的大漆以及泥土来进行脱胎然后成型，做出来的佛像其分量是极轻的，被称作行像，方便在节日当中抬着去游行。

却这种工艺到底是怎样的情形，史书之中并未有准确明白记载，实物也早就已经失传不见。直至十多年以前，考古工作者于莫高窟的沙土里不经意间捡到了一个有破损的小佛头。通过分析，它恰恰是利用粗布还有泥土制作而成的夹纻塑，弥补了工艺史上的空缺。这表明敦煌的塑造方式远比我们所想象的更为丰富多样，是一座充满生机的传统技艺基因库。

清代重塑的得与失

十六国起便开始的敦煌营造史，一直延续到元代，就连清代也留有相关痕迹。然而，要是你去对比清代的塑像，便能直观察觉到艺术的衰退。清代的塑像离我们最为接近，其做法与内地寺庙的神像相近，采用的是木骨架扎草后再上多层粗泥的传统方法。

虽说工艺程序仍旧存在，然而所呈现出的效果却有着极大差异。清代塑像的泥层一般较为厚实，致使整个形体的轮廓转为臃肿模糊状态，衣褶的处理也丧失了唐代的流畅灵动之感，表情更是显得呆板木讷。这也从反面证实了，技术的传承固然有着重要意义，但是创造力以及时代精神的注入才是艺术保持生命力的关键所在。

瞅见了这些历经了千年岁月的塑像，你最为倾向爱上哪一个时期的风格呢？是北魏时期那蕴含着笑意的模样，要不然就是盛唐时期展现的丰满姿态？欢迎于评论区域留下话语分享你的审美观念，要是你同样也对古人所具备的精巧心思感到惊叹不已，可别忘了点击点赞进行转发，从而让更多的人能够瞧见敦煌。